O crepúsculo do Morcego

Assim como no episódio anterior, “Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge” se pauta pelas ações de um vilão: depois do Coringa, é existência de Bane que justifica a presença do herói em Gotham City. Não fosse pela presença do terrorista, dificilmente Bruce Wayne sairia de seu limbo para, novamente, vestir o traje que praticamente o amaldiçoou ao mexer no vespeiro do submundo da metrópole, que enfrenta os problemas triviais de uma grande cidade com a presença constante de malucos que querem destruí-la. Lugarzinho esquisito essa Gotham...

Por isso, a construção de Bane é essencial para o sucesso do longa-metragem E, nesse ponto, o terceiro “Batman” está muito bem resolvido. Sai o anarquismo do Coringa, entra o terror de Bane, que transita entre o anseio descerebrado pela destruição e a erudição, presente principalmente em seus longos discursos potencializados pelo ótimo tom de voz estabelecido por Tom Hardy, praticamente a única ferramenta de atuação de um personagem cujo rosto é coberto por uma enorme máscara.

Tudo que foi dito e escrito elogiosamente ao novo “Batman” faz sentido. “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” realmente fecha com primor a trilogia, exigindo até uma revisita aos dois longas anteriores para deixar tudo vívido na memória. O filme tem ainda a vantagem de se aproximar mais da estética dos quadrinhos que os precursores, com a presença de personagens icônicos e situações certamente identificáveis para os fãs de HQs. Da mesma forma mantém a verossimilhança típica da série: o diretor Christopher Nolan quer lembrar constantemente que, sim, naquele mundo é possível a existência de Batman, Bane e outros tipos.

MAS há algumas poucas, e relativamente graves, falhas. Por mais que coincidências e planos excessivamente mirabolantes fizessem parte da trama dos capítulos 1 e 2, estes eram organicamente inseridos na história, não precisam de grande suspensão da crença do espectador para se tornarem factíveis (como exemplo, cito a fuga da prisão do Coringa em “O Cavaleiro das Trevas”, que tem desde um celular inserido na barriga de um capanga até o destempero providencial de um dos policiais). Aqui a barra é por vezes forçada demais, o que diminui a força de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge”.

Para quem deseja acompanhar o raciocínio, aviso que os pontos abaixo estão recheados de SPOILERS. Então, leia por conta e risco.

- Não há nenhuma justificativa para Bane, logo depois de triturar a coluna de Bruce Wayne, contar para ele todo o seu plano. Aliás, tem sim: fazer com que o herói sabia como agir ao voltar para Gotham e acabar com a festa do vilão.

- A volta para Gotham é outro problema: primeiro, como Wayne viajou quilômetros de distância no meio do deserto? E como entrou em Gotham se a cidade estava toda sitiada, cercada de capangas de Bane? Sem falar que deu tempo para trocar de roupa, fazer a barba e encontrar Selina Kyle num momento bastante propício. (Aliás, Batman deve ter um “sensor aranha” porque sabe exatamente onde o crime está acontecendo e a que horas deve chegar).

- Antes do reencontro com o Comissário Gordon, deu para montar todo aquele show pirotécnico com fogos formando um morcego gigante? E o que dizer que reação de Bane ao ver a obra: “impossível”? Não seria melhor ter matado Wayne de vez quando teve oportunidade?

- A personagem de Marion Cotillard é bem mal resolvida, mas a revelação de que é Talia al Ghul cria um bom gancho com o primeiro filme da saga. Só não dá pra engolir a morte excessivamente caricata, já devidamente satirizada no tumblr http://peopledyinglikemarioncotillard.tumblr.com/

Dito isso, o desfecho é bastante satisfatório. Fecha muito bem a trilogia e ainda abre espaço para uma nova saga, que certamente não será desperdiçada depois do imenso sucesso de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge”. Só poderiam ter caprichado um pouquinho mais no desenvolvimento da trama...

Crítica: "Super 8" e os vícios de Spielberg e Abrams

“Super 8” é a reunião dos vícios de Steven Spielberg com as obsessões de J.J. Abrams, para o bem e para o mal. Uma ode ao cinema de aventuras fantásticas como “Os Goonies” e “Conta Comigo”, o longa-metragem parece feito sob medida para os nostálgicos amantes da década de 1980, mas vez ou outra se rende às características de superproduções contemporâneas com seu abuso de efeitos especiais e a ânsia de querer ser épico.

De Spielberg, “Super 8” herda o espírito infantil e a trama marcada por uma paternidade conturbada – o protagonista é Joe, um menino que perdeu a mãe precocemente e tem uma relação difícil com o pai policial. Ao lado de um grupo de amigos, o garoto decide gravar um filme de terror, e durante uma tomada noturna eles presenciam um estranho acidente de trem. A situação fica ainda mais insólita quando o exército invade a pequena cidade e isola o local onde os jovens cineastas fizeram as filmagens.
De Abrams, “Super 8” herda o gosto pelo mistério. O diretor, conhecido principalmente por seu trabalho na série “Lost”, fornece pistas à conta-gotas e deixa o público tão perdido quando seus personagens. A descoberta deles é também a nossa, o que gera uma empatia imediata na plateia, ávida por descobrir o mistério em torno do acidente de trem. Mas de Abrams aparecem ainda uns vícios estéticos, como os bregas contraluzes e a câmera levemente inclinada.
O resultado dessa mistura do cinema de outrora com o moderno cria um híbrido em alguns momentos estranho. Autorreferente e feito por quem (e para quem) ama o cinema, “Super 8” peca pelo excesso de informações no último ato, um didatismo desnecessário para uma produção que até então prezou pelo cuidado em seu desenvolvimento. É ainda flagrante o dedo de Spielberg em aliviar o destino trágico de alguns personagens, outro vício que acompanha o diretor e produtor.
O veterano e Abrams, seu novo pupilo, podem até ter se divertido na concepção dessa sua homenagem ao cinema, mas não dá para negar que “Super 8” termina não tão bem como começa.

"Lanterna Verde", o herói sem brilho

Na mitologia criada por Martin Nodell e Bill Finger, são 3,6 mil integrantes na Tropa dos Lanternas Verdes responsáveis pela paz da galáxia – nem mesmo Hal Jordan, o primeiro terráqueo a integrar o grupo, se manteve no posto de defensor do nosso planeta nos mais de 70 anos do personagem. Tamanha complexidade, muito além até de outros heróis da DC Comics como Batman e Superman, dá uma ideia da inglória tarefa de levar “Lanterna Verde” aos cinemas.O resultado, como se sabe, não foi dos mais felizes e a franquia tem seu futuro incerto mesmo com o gancho deixado na cena pós-creditos do longa-metragem dirigido por Martin Campbell. O diretor, aliás, foi convocado para adaptar “Lanterna Verde” por ter experiência em reviver heróis nos cinemas, como Zorro e James Bond. Mas não há um traço autoral na produção: “Lanterna Verde”, aliás, não se decide em ser um filme estritamente comercial ou se trilha a linha mais realista dos Batman de Christopher Nolan.
A construção de Hal Jordan (Ryan Reinolds) é exemplar nesse sentido. Não basta ser um piloto destemido para torná-lo apto ao posto de super, é preciso lapidá-lo com um trauma de infância (no caso, a morte precoce do pai) e ainda inserir um relacionamento amoroso mal-sucedido. Hal Jordan, no filme, precisa amadurecer também como pessoa para estar pronto para vestir o uniforme verde e aprender a lidar com seus poderes, numa batida cena de treinamento.
Da mesma forma, a criação dois vilões se mostrou um grande equívoco. Com tanta coisa a se explicar, deixa para um sem-número de péssimos diálogos expositivos, fica difícil dar conta da metamorfose de Hector Hammond, a ameaça terrestre, e da entidade Paralax, a ameaça galáctica. Assim falta tempo para momentos importantes como a primeira aparição pública do herói, que de tão mal desenvolvida chega a ser risível - aparentemente os coadjuvantes e figurantes estão acostumados a ver homens voadores tamanha falta de impacto provocado pelo Lanterna Verde.
De certa forma, “Lanterna Verde” lembra outra famigerada adaptação de personagem da DC Comics, “Batman & Robin”. É fruto da megalomania de Hollywood para criar uma série de sucesso, mas que não atenta para a construção de uma sólida história antes de transformá-la em produto. “Lanterna Verde” é até uma bobagem divertida, mas uma bobagem que custou US$ 300 milhões.

Em DVD, o repetitivo "Se Beber, Não Case - Parte II"

Substitua a luxuosa Las Vegas pela exótica Bangcoc, um recém-nascido por um monge budista e o dente arrancado por uma tatuagem à lá Mike Tyson: está pronta a fórmula de “Se Beber, Não Case! – Parte II”, sequência da genial comédia de 2009 que deu início a franquia mais rentável do humor na atualidade. Pena que a continuação caia no lugar comum de apenas repetir as ideias do primeiro filme e exagere na grosseria, causando muito mais constrangimento do que risadas.
A premissa também é bastante similar. Depois da noite de farra na Cidade do Pecado na despedida de solteiro de Doug (Justin Bartha), Phil (Bradley Cooper), Alan (Zach Galifianakis) e Stu (Ed Helms) estão na Tailândia para o casamento desse último. Para não terem mais um ataque de euforia, os quatro amigos decidem fazer apenas um luau na praia – claro, a ideia não dá certo e no dia seguinte lá estão eles num hotel vagabundo no centro de Bangcoc, sem memória e sem a mínima ideia do paradeiro do cunhado de Stu.
Até aí, nenhum problema. Repetir o ponto de partida da trama original é até uma zona de segurança, como se o diretor Todd Phillips quisesse entregar justamente aquilo que o público deseja, sem correr grandes riscos. Mas o excesso de zelo fica com cara de piada requentada quando as situações do primeiro “Se Beber, Não Case!” reaparecem exaustivamente, até na mesma ordem e sem a mesma graça.
Há ainda de se lamentar a mudança de Alan, de longe o melhor personagem da série. De um doido excêntrico e infantil ele passa a ser digno de pena, como se tivesse algum retardo mental incompreendido pelos amigos. Por outro lado, Stu aqui ganha mais destaque e seu desespero ao perceber que o cunhado pode estar em perigo garante uns poucos momentos divertidos no longa-metragem.
Trocando o humor físico por algumas cenas até violentas, sinal da ânsia de Todd Phillips em ampliar as situações inusitadas do primeiro filme, “Se Beber, Não Case! – Parte II” tem na previsibilidade seu maior problema. Em determinado problema, um personagem diz não acreditar “que está acontecendo tudo de novo”. Pois é, eu também não.

A volta de Tom Cruise em "Missão: Impossível 4"

Responsável por duas obras-primas da animação, o pouco conhecido “O Gigante de Ferro” e o popular “Ratatouille”, Brad Bird aparentemente cansou de ser taxado como um diretor “menor” e encarou um grande projeto logo em sua estreia no live action, com atores reais. De quebra, tem ainda a responsabilidade de reavivar a carreira de Tom Cruise, astro cada vez mais longe do sucesso das décadas de 1980 e 1990.
A existência de “Missão: Impossível 4 – Protocolo Fantasma” atende aos anseios do diretor e do ator. Bird quer mostrar talento na condução de uma megaprodução, enquanto Cruise almeja se afastar da decadência. Para isso, nada melhor que retomar um sucesso de outrora em uma nova embalagem, modernosa para o público pouco íntimo das aventuras de Ethan Hunt, o agente da IMF (Impossible Missions Force) responsável por burlar as leis da gravidade e outras suspensões da crença.
Quem assistiu aos três primeiros filmes sabe como o exagero é praxe em “Missão: Impossível”. No quarto capítulo, a trama se aproxima um pouco do filme de estreia, com Ethan Hunt tendo de provar sua inocência após uma missão de IMF dar errado e provocar um grande estrago em Moscou. A diferença é que, desta vez, o agente não poderá escolher sua equipe e se apoia num grupo de desconhecidos, com intenções nem sempre muito claras.
Outra característica marcante de “Missão: Impossível” está no didatismo. Todo o plano de Ethan Hunt é milimetricamente explicado, para o público não precisar gastar muito tempo pensando no que diabos está acontecendo e se concentrar na ação quase ininterrupta. “Protocolo Fantasma” consegue o feito de deixar tudo bastante claro já nos próprios trailers, além de fornecer um aperitivo da cena mais comentada da produção: o momento em que Hunt escala o Burj Khalifa, o maior arranha-céu do mundo, com 828 metros, localizado em Dubai.
Brad Bird não se rende ao já previsível 3D, e troca o efeito tridimensional pelo uso das câmeras IMAX, em altíssima definição e com captação adequada para telas de cinema gigantes – mas mesmo numa sala convencional é possível perceber a diferença, coisa que quem assistiu “Batman – o Cavaleiro das Trevas” pode perceber. Uma alternativa para o batido sistema de conversão em três dimensões, potencializada principalmente em longas-metragens de ação que dependem de parafernálias visuais.
Em suma, Tom Cruise apostou alto nessa volta à sua franquia mais lucrativa. O astro, também produtor de todos os “Missão: Impossível”, sabe da importância do sucesso de “Protocolo Fantasma” para estar de novo em evidência – há quem diga que o ator se despede da série aqui, abrindo espaço para o agende Brandt, interpretado por Jeremy Renner, e que depois fará uma sequência de “Top Gun”.

Lançamento em DVD: "Melancolia"

De certa forma, “Melancolia” funciona como uma sequência indireta do filme anterior de Lars Von Trier, “Anticristo”. Não apenas pela presença de Charlotte Gainsbourg em ambos, mas principalmente por causa do tom episódico escolhido pelo diretor, tanto na divisão dos capítulos (cujos títulos prenunciam a desgraça por vir) quanto o prólogo, apresentado em câmera lenta com uma ária como trilha incidental, num caráter quase poético. Em Trier, o sofrimento é poesia e merece ser reverenciado.
Na primeira parte de “Melancolia”, acompanhamos o casamento de Justine (Kirsten Dunst), organizado pela irmã Claire (Gainsbourg) num pomposo castelo pertencente à família. À primeira vista, os duros conflitos apresentados nessa fase do filme soam como um dramalhão exagerado – não há nenhum respiro para a noiva, seja na conturbada relação com os pais, na falta de personalidade do noivo e nas excessivas cobranças dos cunhados. A família de Justine reúne todos os clichês possíveis de uma família desestruturada, e isso reflete na depressão eminente da personagem.
Mas o exagero oferecido por Trier não é ao acaso, como mostra a segunda parte de “Melancolia”. O diretor reúne toda a sua falta de fé na humanidade no evento apenas para apresentar o fim do mundo como uma benção, e conforme o gigante planeta Melancolia vem em direção a Terra a protagonista abandona seus dramas e abraça a morte como uma salvação. Até por isso, Justine leva o mesmo nome da protagonista de vários livros do Marquês de Sade, uma virtuosa que paga por sua bondade e só se livra do mal quando é rasgada por um raio.
Assim como em “Anticristo”, Trier faz de “Melancolia” uma ode ao niilismo, mas sem ver o niilismo como um fim. Justine aprende a lógica apresentada pelo diretor de que é preciso reiniciar a humanidade para livrá-la de seus vícios. E isso só será possível depois de muito sofrimento, seja na morte acidental do filho pequeno, seja na constatação de que as relações familiares estão destruídas. Se desapegar dessas crenças e abraçar o niilismo é, assim, parte do processo de redenção.

Impressões sobre "A Pele que Habito", de Almodóvar

Ainda antes das gravações de “A Pele que Habito”, quando questionado sobre a ausência de sua preferida Penélope Cruz no elenco, Pedro Almodóvar disse não imaginar a atriz no papel principal de seu novo filme. A resposta faz sentido após uma sessão do longa-metragem: não há margem para musas, para a beleza, em “A Pele que Habito”. Não há na verdade nem espaço para o erótico, mesmo com a abundância de pele e carne nua exposta.
A transfiguração de gêneros é tema recorrente na filmografia de Almodóvar, desde os travestis de “Tudo Sobre Minha Mãe”, a homossexualidade latente de “Má Educação” e até a tara por comatosos de “Fale Com Ela”. Mas nunca da maneira vista aqui – o cineasta espanhol parece ter bebido na fonte de Sade ao pensar genitálias exclusivamente como genitálias, não como elementos definidores da sexualidade de um organismo.
Se pênis e vaginas são tão freqüentes em “A Pele que Habito”, a presença dos órgãos nunca sai do âmbito do discurso. O mais próximo de uma presença visual está na coleção de consolos do cirurgião Robert Ledgard, por mais que estes não deixam de ser artificiais. Como, aliás, são todas as outras referências feitas aos instrumentos sexuais dos personagens, a começar pelo bem-dotado “homem tigre”.
A indefinição permeia praticamente todas as relações interpessoais em “A Pele que Habito”. Seja na mãe receosa pela violência do filho, seja pela consumação ao não de um estupro. Nem mesmo a Vera Cruz interpretada por Elena Anaya, responsável pelo ato de conclusão da trama, deixa de titubear nesse emaranhado de instabilidades. Reparem: ela comprou o gel lubridificador.
Só Ledgard tem certeza de seus atos, e as feições talhadas de Antonio Banderas casam perfeitamente com o personagem. Almodóvar demorou 20 anos, desde “Ata-me”, para voltar a trabalhar com o ator, talvez na espera deste amadurecer. Os protagonistas de “Ata-me” e “A Pele que Habito”, não por acaso, ainda dividem outras similaridades, como a obsessão pela amada e o uso do cárcere.
Afora todo esse incômodo (e se há uma palavra direta pra definir “A Pele que Habito” é esta, “incômodo”), Almodóvar segue como um exímio criador de planos. As imagens das trocas de olhares entre o casal de protagonistas, mesmo proporcionadas apenas pelo médium da televisão, são tão belas que dá vontade de imprimir e colocar num quadro. Coisa de quem realmente tem domínio da linguagem cinematográfica e usa seu potencial para reinventar-se. E, de quebra, gerar uma série de discussões, como é de praxe em todo bom filme.

A Pixar e o legado de Steve Jobs no cinema

Difícil imaginar que daqui alguns anos os modernosos iPads e iPhones darão lugar a equipamentos mais sofisticados, colocando-os no mesmo patamar obsoletos dos hoje jurássicos Macintosh e iMac. Deste legado deixado por Steve Jobs, morto na última quarta-feira, as criações da Pixar Animation Studios parecem as poucas com o mesmo frescor de novidade mesmo depois de tantos anos de seu lançamento e dos surpreendentes avanços na animação computadorizada.

De “Toy Story” a “Carros 2” foram mais de US$ 7,1 bilhões arrecadados nas bilheterias mundiais. É, de longe, o estúdio de cinema mais sólido de Hollywood na atualidade, com um público fiel e uma gama de personagens comercializados em produtos licenciados. A ponto de a Disney comprar a Pixar por temer que esse parceiro altamente lucrativo estabelecesse negócios com concorrentes.

Foi Steve Jobs quem primeiro enxergou o potencial do grupo fundador da Pixar, comandado pelo gênio criativo John Lasseter. Na metade da década de 1980, numa divisão da Lucas Arts, Lasseter e outros três funcionários usaram o tempo livre para desenvolverem testes em animação computadorizada, com o sonho de um dia produzirem um longa-metragem totalmente gerado em computador. Com o uso de elementos geométricos simples, o quarteto criou os curtas-metragens “Sigraph”, “Luxo Jr.”, “Red´s Dream” e “Knick Knack”.

Apesar do sucesso tecnológico, a Lucas Arts reduziu os investimentos na Pixar porque tais curtas não geravam lucro. Daí surgiu o toque de Midas de Steve Jobs: o fundador da Apple transformou a divisão num estúdio de animação, investiu pesadamente em Lasseter (decisão que criou um rombo financeiro num primeiro momento) e deu carta branca para o grupo criar. O primeiro trabalho dessa nova fase foi “Tin Toy”, contada sob o ponto de vista de um brinquedo.

A história, obviamente, serviu de inspiração para “Toy Story” em 1995. O longa-metragem só saiu depois dos criadores da Pixar estarem satisfeitos com o desenvolvimento de personagens humanos - apoiados pela poderosa Disney e uma injeção de US$ 26 milhões, a equipe de Lasseter deu início a uma revolução na produção de animações em Hollywood. Em 2006, a Disney comprou a Pixar por quase US$ 8 bilhões, tornando Steve Jobs o maior acionista individual do estúdio criador do Mickey Mouse.

Fora o barulho produzido pelos longas-metragens, a Pixar manteve a produção de premiados curtas como “Geri´s Game”, “For the Birds” e “One Man Band”, entre outros, todos exibidos antes dos filmes nos cinemas. Boa parte desse material está disponível no Brasil no DVD “Pixar Short Films”, assim como a história do estúdio de animação pode ser vista no documentário “The Pixar Story”. Uma história que só existe graças ao visionário Steve Jobs. “Ele nos deu uma oportunidade e acreditou em nosso sonho maluco; a única coisa que ele sempre disse foi para simplesmente ‘que seja ótimo’”, disse Lasseter, em comunicado oficial.

"Premonição 5" e "Sem Saída" nos cinemas

Entre tantas séries “mais do mesmo” do cinema de terror recente, com “Jogos Mortais” e a ressuscitada “Pânico” à frente, “Premonição” se destaca justamente por resgatar um dos grandes atrativos de similares do gênero da década de 1980: a inventividade nas mortes. Sem uma figura marcante como os criativos assassinos Jason e Freddy Krueger, a saga conseguiu se renovar a cada novo episódio apenas com a mudança na premissa de cada nova produção.
A fórmula é repetida no quinto exemplar da franquia. Depois de um acidente aéreo, um engavetamento, uma montanha-russa e uma corrida de automóveis, o desastre aqui acontece numa ponte suspensa. E como nas quatro vezes anteriores, sempre tem um grupo que é salvo graças à visão premonitória de alguém – como a morte não gosta de ser enganada, ela retorna para cumprir sua função e dá um show de genialidade ao matar cada um dos sobreviventes de um jeito espetacular.
Se até aí não há nenhuma novidade, resta a “Premonição 5” carregar no suspense nas cenas que antecedem um novo acidente. Desta vez, os sobreviventes são caçados durante uma visita ao oculista, numa trave de ginástica olímpica e até durante uma sessão de acupuntura, sempre com resultados exageradamente sádicos. Que, no fim, realmente interessam ao seu público-alvo. Com um orçamento relativamente barato e ajudado pelos inflacionados ingressos em 3D, “Premonição 5” arrecadou um bom dinheiro e provavelmente terá uma sequência. Façam as apostas de qual será a sexta tragédia.

Outras estreias

“Missão Madrinha de Casamento” faz parte de um grupo que de vez em quando aparece em Hollywood e surpreende os analistas de plantão: o das comédias despretensiosas, sem grandes astros, q

ue faturam muito nas bilheterias. Já foi assim como “Casamento Grego” e “Se Beber, Não Case!”, só para ficar nos exemplos mais bem-sucedidos, repetiu-se com esse longa-metragem que nos EUA arrecadou mais do que os blockbusters “Rio” e “X-Men: Primeira Classe”.

Na trama, um grupo de amigas viaja para o casamento de uma conhecida, no qual serão as damas de honra, e durante a viagem questionam se estão preparadas para assumir tal responsabilidade de subirem ao altar. Situação que deverão enfrentar em breve, já que uma inevitável sequência está sendo preparada para os próximos anos.

Enquanto Robert Pattinson tenta (sem sucesso) provar que é bom ator, seu rival na série “Crepúsculo” parece ser mais esperto. Com um biotipo praticamente copiado dos heróis oitentistas, Taylor Lautner seguiu pelo caminho mais fácil e abraçou de vez o rótulo de “nova promessa dos filmes de ação”, que Vin Diesel e The Rock tentaram com pouco sucesso há alguns anos. “Sem Saída” é a prova dos nove do jovem ator.

No longa-metragem, o aspirante a astro é Nathan Harper, um rapaz de vida pacata que de repente se vê sem poder confiar até mesmo na própria família. Lotado de cenas de ação, que Taylor dispensou o dublê para fazê-las, “Sem Saída” agradou os norte-americanos e chega por aqui com cara de que, pelo menos nesse round, o “Team Jacob” se deu melhor.

A Força em Blu-ray

A anedota é conhecida, mas vale o lembrete. Em meados da década de 1970, quando o primeiro episódio da saga “Star Wars” estourava o orçamento e os produtores pouco entendiam sobre sua história, o diretor e criador George Lucas abriu mão de seu salário em troca da continuidade do projeto e, principalmente, dele próprio ser o detentor vitalício da marca. A manobra não só tornou George Lucas um dos nomes mais poderosos de Hollywood como dá a ele totais poderes de fazer o que bem entender com seu produto – e aí está o grande problema.

Desde o primeiro relançamento da trilogia original na metade dos anos 90, passando pela retomada da saga a partir de “A Ameaça Fantasma” em 1999, George Lucas nunca mais deixou sua cria em paz. E a chegada de “Star Wars” em Blu-ray não poderia ser diferente: como os fãs trataram de berrar na Inter

net nos últimos dias, os seis filmes de Darth Vader e companhia chegam ao formato de alta definição com pequenas, porém significativas, mudanças.

Algumas alterações são pontuais, como reparos nos efeitos especiais dos três primeiros filmes (para adequá-los à tecnologia disponível nos capítulos mais modernos) e a inserção de diálogos. No clímax de “O Retorno de Jedi”, por exemplo, Darth Vader grita um “não” ao salvar o filho da morte iminente nas mãos do Imperador Palpatine. Outras são mais evidentes, como a substituição do Yoda marionete por uma versão digital, os novos Ewoks, que agora piscam, e uma nova mudança na polêmica cena do duelo entre Han Solo (Harrison Ford) e o alienígena Greedo, no primeiro filme.

Os fãs bateram o pé, chiaram e ameaçaram boicote, mas é certo que o Blu-ray de “Star Wars” será um estrondoso sucesso. Em quase 35 anos, a franquia arrecadou US$ 4,4 bilhões nas bilheterias e faturou o triplo em venda de produtos licenciados, como brinquedos, videogame e histórias em quadrinhos. Fica difícil resistir ao novo tratamento de imagem em alta definição e o som digital 6.1, além do pacote de extras inéditos.

Entre eles, cenas deletadas, documentários, entrevistas e até uma coletânea de paródias feitas em seriados e desenhos como “Os Simpsons”, “Uma Família da Pesada” e “Saturday Night Live”. No total são mais de 40 horas de material, distribuídos em nove discos. Para aumentar ainda mais a ansiedade, o box estava em pré-venda desde janeiro e os extras vinham sendo divulgados aos poucos.

Mesmo com toda a mudança, é um deleite para quem curte a saga. Desde a inovação de “Uma Nova Esperança” (1977), passando por “O Império Contra-Ataca” (1980), “O Retorno de Jedi” (1983), "A Ameaça Fantasma" (1999), "O Ataque dos Clones" (2002) e até "A Vingança dos Sith" (2005), a franquia se estabeleceu como a mais poderosa da história do cinema e com potencial para perdurar no topo por muito tempo. Até porque, a partir do ano que vem, cada um dos episódios chegará novamente aos cinemas, agora em 3D convertido. E com chances de ganharam mais alterações por conta de George Lucas.

“Star Wars” – A Saga Completa

R$ 299,90 (box com nove discos) e R$ 149,90 (cada caixa de três discos com as duas trilogias)

A volta de "Conan - o Bárbaro"

Desde sua primeira aparição no conto “A Fênix na Espada”, em 1932, o guerreiro Conan foi protagonista de uma variedade de histórias em diferentes tipos de mídia, com destaque para os quadrinhos desenhados por Frank Frazetta a partir da década de 1960. Dessas versões, curiosamente as que mais se afastam da criação original do escritor Robert E. Howard são os filmes protagonizados por Arnold Schwarzenegger em 1982 e 1984. O personagem ganha mais uma chance agora, com este novo “Conan – o Bárbaro”.

Não se trata, portanto, de uma sequência ou refilmagem. O novo Conan objetiva ser uma abordagem distinta, próxima da escrita por Robert E. Howard: deixa de ser um brucutu e ganha novas habilidades, mais esperto e estrategista que a encarnação de Schwarzenegger. O visual também está parecido com aquele dos quadrinhos, reforçado pela experiência do ator Jason Momoa em personagens do gênero – ele também é o brutal Khal Drogo da série “Game of Thrones”.

A preocupação com a fidelidade, contudo, deve ser vista com reticência. Se o Conan dirigido por John Millus em meados dos anos 80 pecava na composição do personagem, pelo menos visualmente e tematicamente se aproximava da composição de Howard. Já este novo Conan, agora sob regência de superestimado Marcus Nispel (queridinho de Hollywood depois das bem-sucedidas refilmagens de “Massacre da Serra Elétrica” e “Sexta-Feira 13”), flerta com um estilo mais próximo do “300” de Zack Snyder.

Os fãs esperam menos câmeras lentas e sangueira gratuita. Reviver um personagem mítico exigiria um comando mais experiente, não um diretor cuja carreira ganhou fôlego a partir de refilmagens genéricas. “Conan – o Bárbaro” pode ser o início de uma bela franquia – e o sucesso da já citada “Game of Thrones” mostra como há um público ávido por este tipo de produção. Basta fazê-la com cuidado e respeito aos elementos que consagraram o produto original.

"Biutiful", a nova desgraceira de Iñarritu

Alejandro González Iñárritu, quem diria, se tornou grife. Representante máximo do cinema desgraceira contemporâneo, o diretor mexicano chamou a atenção com o excelente “Amores Brutos” e passou a ser reverenciado com o exercício narrativo de “21 Gramas”, mas errou feio com “Babel”, no qual a tragédia de seus personagens se sobrepunha ao desenvolvimento corretos dos mesmos. “Biutiful”, seu último trabalho, pode ser colocado na zona intermediária desta lista.

Para quem curte o sadismo poético de Iñarritu, o longa-metragem é um prato cheio. Uxbal, papel que deu a Javier Bardem uma indicação ao Oscar, é massacrado impiedosamente pelo diretor: pai solteiro, abandonado pela esposa bipolar e com dois filhos para criar, o pobre médium ainda sofre de câncer terminal e descobre ter pouco tempo de vida. Sem alternativas, Uxbal decide começar a fazer o bem para deixar uma vida mais digna aos filhos.
O caminho da redenção do personagem, como é peculiar em Iñarritu, é de pedras. Pela primeira vez sem a parceria do roteirista Guillermo Arriaga, o cineasta tenta imprimir alguma profundidade na via crucis de Uxbal colocando-o como um médium – ou seja, sua própria fé (e seu ganha-pão) é questionada quando ele mesmo percebe estar indo para um além que, talvez, não exista. Uxbal opta por parar de se preocupar consigo mesmo, e essa transformação do protagonista motiva “Biutiful”.
As chances de cair no ridículo são grandes, e vez ou outra Iñarritu não escapa do sentimentalismo bobo e até estereotipado ao mostrar todos os algozes de Uxbal como “marroquinos” ou “chineses”. “Biutiful” ultrapassa o limite da exploração ao mostrar o mundo como algo essencialmente triste e sem esperança, tudo para manter o público num estado de angústia forçada. A história até emociona, mas muito mais por nossa revolta com aquele universo angustiante do que por algo provocado pelo roteiro propriamente dito.
Não fosse a atuação precisa de Javier Bardem, “Biutiful” cairia facilmente no dramalhão novelesco. O ator é o pedaço humano desta fábula cruel.

A revolução símia em "Planeta dos Macacos: A Origem"

O desfecho do confronto entre humanos e símios sempre acontece num cenário icônico. No primeiro “Planeta dos Macacos”, o astronauta George Taylor descobre ainda estar na Terra ao encontrar as ruínas da Estátua da Liberdade. Já Tim Burton terminou a refilmagem besta de 2001 com seu protagonista, Leo Davidson, às voltas com um novo monumento no Lincoln Memorial. E neste novo “Planeta dos Macacos: A Origem”, o clímax acontece sobre a Ponte Golden Gate.
A repetição não se dá apenas para remeter ao referente clássico de 1968, uma das cenas mais importantes da história do cinema de ficção. É sintoma da complexa relação desenvolvida pelo escritor Pierre Boulle ao lançar “La Planete des Singes” no início dos anos 60 – como conceber um futuro no qual nós, humanos, somos escravizados por animais numa insuspeita inversão de papéis? Profanar ícones norte-americanos (afinal, em Hollywood tudo sempre se resolve lá) é a síntese máxima dessa nossa dominação, de mostrar como o controle do mundo não mais nos pertence.
As questões lançadas pelo primeiro filme, dirigido por Franklin J. Scharffner, se perderam nas quatro sequências e principalmente na refilmagem de 2001, uma bobagem pretensiosa vendida como “a reimaginação de um clássico”. Dez anos depois, o tema é novamente trazido para o cinema com o costumeiro artifício do reboot, o reinício da franquia, uma forma de produzir novos filmes sem macular a história já existente.
É estranho ninguém ter pensado nisso, ainda mais na atual pasmaceira de ideias novas. “Planeta dos Macacos: A Origem” reconstrói o mito criador por Boulle há quase 50 anos a partir de Cesar, o chimpanzé geneticamente modificado cuja reconstrução cerebral pode auxiliar portadores de Mal de Alzheimer. Depois de um acidente, Cesar é levado a um abrigo de animais e percebe os maus tratos dados a outros de sua espécie – é a premissa para uma revolta de proporções inesperadas.
A ala humana do filme é representada pelo cientista Will Rodman (James Franco), o responsável pelas experiências e primeiro a perceber a ameaça causada por sua criação. Mas o ator empalidece frente ao próprio Cesar: pela primeira vez em toda a saga, os símios foram criador por computador e não concebidos por maquiagem. No caso, o líder da revolta foi desenvolvido através do sistema de captura de movimentos do ator Andy Serkis, que já havia feito o Gollum de “O Senhor dos Anéis” e outro macaco, o “King Kong”. É a velha história recontada por uma nova e moderna roupagem.


A trajetória símia nos cinemas

“O Planeta dos Macacos” (1968)
Primeiro filme da saga, mostra a história do astronauta George Taylor (Charlton Heston), que após a colisão de sua nave vai parar num planeta hostil dominado por macacos inteligentes.

“De Volta ao Planeta dos Macacos” (1970)
O filme praticamente repete a trama anterior, agora com o astronauta John Brent em busca do paradeiro da tripulação da primeira nave.

“A Fuga do Planeta dos Macacos” (1971)
Agora os símios são os heróis, com Zira e Cornélius (personagens dos dois primeiros filmes) misteriosamente transportados para Los Angeles na década de 1970.

“A Conquista do Planeta dos Macacos” (1972)
Continuação direta do filme anterior, é o que mais se aproxima do novo “A Origem”. Aqui, Cesar é filho de Zira e Cornélius e o primeiro a liderar a revolução dos macacos.

“A Batalha do Planeta dos Macacos” (1973)
O filme mostra o confronto de Cesar com os gorilas e o processo de dominação dos humanos.

“Planeta dos Macacos” (2001)
A refilmagem ignora os longas-metragens anteriores e se propõe a ser uma reimaginação do clássico, com o astronauta Leo Davidson caindo num planeta onde humanos são escravizados.

Luz baixa na telona: o fracasso de "Lanterna Verde"

Algumas decisões das distribuidoras brasileiras são injustificáveis. É o caso de “Lanterna Verde”, por exemplo: para fugir da concorrência por salas 3D em junho, a Warner atrasou o lançamento do filme no Brasil por dois meses. Nesse meio tempo, a adaptação do herói da DC Comics fracassou nas bilheterias e foi eleito pela crítica como uma das piores produções da temporada. Ou seja, se alguém tinha interesse em ver o filme deve ter desanimado bastante depois dessa recepção decepcionante.

Sem contar que o público-alvo de “Lanterna Verde” não aguentou todo esse tempo.Uma versão já está disponível para download com qualidade há algumas semanas – e é certo que alguns fãs preferiram “testar” o filme em casa antes de pagar pelo caro ingresso para vê-los nos cinemas e talvez se decepcionar. A Warner pode até ter fugido da concorrência, mas agora lança um de seus principais produtos no ano sem grande alarde.

A saturação de longas-metragens de super-heróis é um dos fatores responsáveis pelo fracasso de “Lanterna Verde”. Com o “Batman” de Christopher Nolan próximo do fim e a insegurança quanto ao novo “Superman”, a Warner investiu pesado na adaptação de mais um personagem da DC Comics para o cinema, mesmo que o alter-ego de Hal Jordan não goze da mesma popularidade. Mas caiu num ano errado, quando “Thor” e “Capitão América”, da Marvel, não repetiram o bom resultado de adaptações anteriores.

Não ajuda o fato de “Lanterna Verde” ser de longe o personagem mais fantasioso de toda essa leva. E o já citado “Batman”, de Nolan, praticamente imprimiu um estilo realista aos super-heróis, tornando a missão do diretor Martin Campbell ainda mais espinhosa. De qualquer forma, o filme respeita a origem das histórias em quadrinhos e mostra a trajetória de Hal Jordan, o primeiro humano a fazer parte da legião dos Lanternas Verdes que defendem a galáxia.

Com um orçamento de quase US$ 200 milhões, sem contar os gastos com publicidade, “Lanterna Verde” arrecadou pouco mais que a metade. Um resultado ruim e que torna difícil a produção de uma sequência e, consequentemente, o início de uma franquia.

"Sobrenatural": A Arte do Susto

Num gênero tão desgastado quanto o terror, lotado de remakes e filmes de tortura pornô, “Sobrenatural” é uma das surpresas mais bem-vindas dos últimos tempos. Curiosamente, os responsáveis por esse ótimo filme são o diretor e o roteirista James Wan e Leigh Whannell, os criadores da franquia “Jogos Mortais” – talvez a maior praga dessa leva recente de produções sanguinolentas.

A fórmula do sucesso de “Sobrenatural” lembra os exemplares do terror oitentista, como “Poltergeist”, “A Hora do Espanto” e “A Morte do Demônio”, nos quais os sustos e a violência gráfica contrastam com leves momentos de humor. Mas são somente pitadas, porque o grande trunfo de “Sobrenatural” é mesmo o constante estado de urgência, o suspense mais sugestivo e oposto ao excesso de mutilações e mortes escabrosas dos terrores recentes.

Dá até para considerar que a dupla de realizadores tenha aprendido a lição após a derrocada de “Jogos Mortais”. Antes de começar com os sustos, o roteiro preocupa-se em estabelecer relações entre o público e o casal Josh e Renai, que herda uma velha casa pouco antes do filho de dois anos entrar em coma devido a um grave acidente.

Se a premissa da trama não parece um poço de criatividade, sua resolução consegue surpreender justamente por inserir novos elementos à já batida narrativa da “casa mal-assombrada”. Aliás, “Sobrenatural” vai muito além disso: a chegada na mansão é apenas uma das situações que transforma a vida do casal de protagonistas.

Felizmente, passada a primeira metade, o filme descamba lentamente para o terror puro. Wan e Whannell estabelecem os sustos lentamente, iniciando com vultos que passam batido pela câmera, mas entrega na parte final o que realmente se espera de um filme do gênero. A última meia-hora de “Sobrenatural” mostra como todo o clima criado anteriormente contribuiu para o desfecho se tornar ainda mais apavorante.

Pena que a resolução fuja da linha mais realista mantida pelo filme e insira alguns elementos excessivamente fantasiosos. Nesse ponto, o título em português ainda revela mais do que deveria, enquanto o título original (“Insidious”, insidioso, algo que ataca imperceptivelmente) é mais feliz. Mas está bem acima da média atual.

"Super 8": a auto-homenagem de Spielberg

Dois temas são majoritários em praticamente todos os filmes dirigidos e/ou produzidos por Steven Spielberg: a paternidade e as descobertas da adolescência. Vale revisitar seus principais clássicos, como “E.T. - O Extraterrestre” (1982) e “Goonies” (1985), para perceber a inserção muitas vezes forçada desses elementos à trama. “Super 8” é a unificação dessas duas temáticas, quase uma homenagem autorreferente.
Para marcar ainda mais essa celebração, o nerd dos anos 80 convidou o nerd dos anos 2000 para comandar sua brincadeira. J.J. Abrams, o homem por trás do fenômeno pop “Lost” e já escolado das re-imaginações com a nova versão de “Jornada nas Estrelas”, assumiu o comando. Não deixou de colocar seu pitaco na história: assim como a já citada série de TV e, em especial, o longa-metragem “Cloverfield – Monstro” (do qual foi produtor), o mistério dita o tom da produção.
Aventura adolescente, paternidade, mistério e alienígenas – outro item bastante explorado por Spielberg e Abrams. “Super 8” tem cara de filme da década de 1980 em nova embalagem, e é para ter mesmo. Tanto que um dos cartazes foi ilustrado por Drew Struzan, o homem por trás das peças publicitárias clássicas das sagas “Indiana Jones” e “Star Wars”. Abrams ainda assumiu que as naves espaciais foram fortemente inspiradas no modelo utilizado em “Contatos Imediatos de Terceiro Grau”.
O sexteto de jovens protagonistas segue a linha oitentista, como no já citado “Goonies” e em “Conta Comigo”. A história começa quando os amigos Charles, Joe Lamb, Cary, Martin, Preston e Alice, com idades entre 13 e 15 anos, decidem produzir um filme de ficção científica na cidade onde moram. Durante uma das gravações, o grupo grava um estranho acidente com um trem de carga – e ao rever as imagens percebe que o descarrilamento foi provocado por algo não humano. Logo, até o exército está atrás das imagens registradas pelos amigos, que tentam descobrir a verdade do acidente.
Não por acaso, a trama de “Super 8” se passa no verão de 1979. Spielberg e Abrams, que viveu a infância nessa época, fazem questão de ressaltar como aquele tempo era mais inocente e divertido, tanto na vida quanto no cinema. Apoiado nessa nostalgia, “Super 8” tenta ser um blockbuster inteligente e que mostra como há pouco tempo os chamados “filmes de férias” investiam muito mais em suas histórias e personagens do que no arroubo visual.

"Capitão América": a deixa para "Os Vingadores"

Na grande obra “Os Vingadores”, “Capitão América” não é um interlúdio descarado como “Thor”. O bandeiroso, mais patriota de todos os heróis, é figura central do projeto da Marvel que estreia em 2012 – e por isso, a expectativa é de um filme bem mais acabado que o irregular longa-metragem com o filho de Odin.

Com cara de aventura de Indiana Jones, climão da primeira metade do século passado, “Capitão América” não foge à rega de ser um “filme de origem”. Conheceremos a seleção do franzino Steve Rogers (Chris Evans) para o projeto de supersoldado do governo norte-americano durante a Segunda Guerra Mundial, seu primeiro confronto com o maléfico Caveira Vermelha e o esperado limbo do herói, que sabiamente acordará nos anos 2000 para integrar a trupe ao lado de Thor, Hulk, Homem de Ferro e outros notáveis.

Não é tarefa fácil, contudo, transformar em ídolo mundial um personagem cujo uniforme estiliza cores, listras e estrelas da bandeira dos EUA. Ainda mais em tempos de invasão do Iraque e crise econômica. Até contra a Al-Qaeda Steve Rogers já lutou, numa vergonhosa saga escrita por John Ney Rieber em 2002, “Fight Terror”.

A situação se torna ainda mais inglória quando se faz uma revisão sobre todas as outras empreitadas do Capitão às telas. Sem falar no programa de TV do início dos anos 50, praticamente um precursor da lendária série sessentista do Batman, o herói flertou o universo kitsch nos anos 70 em dois longas-metragens que reuniam tudo que havia de brega à época. A última versão cinematográfica é datada de 1992 e vez em quando pinta numa dessas matinês televisivas, mas quem não viu não perdeu nada.

Agora com cara e orçamento de superprodução, “Capitão América” se beneficia justamente em ser o capítulo final deste grande prelúdio, as amarras das pontas soltas que deixa o terreno fértil para o prato principal. Vale a dica: não saia do cinema até o final dos créditos. Quando a sessão acabar, o público mais paciente será premiado com o primeiro trailer de “Os Vingadores” e já terá uma impressão da grandiosidade desse que, desde já, é um dos mais ousados projetos que une o cinema aos quadrinhos.

Lançamento em DVD: "Vips"

O cinema nacional se consolidou com o reconhecimento da crítica e o sucesso de público. “Vips”, ironicamente, serve de exemplo e contra-exemplo para essa retomada: se por um lado mostra maturidade na composição de seu protagonista, um trambiqueiro de trajetória genuinamente cinematográfica, por outro se perde pela falta de cuidado em sua produção. Só para se ter uma ideia, é o próprio Wagner Moura quem interpreta o personagem aos 17 anos, sendo forçado a usar uma peruca ridícula.
Felizmente, passada essa introdução vergonhosa, “Vips” melhora muito ao narrar os primeiros passos da jornada surreal vivida por Marcelo do Nascimento, que na tentativa de realizar o sonho de ser piloto de avião se envolve com traficantes de drogas no Paraguai. É a entrada do personagem para o mundo dos golpes, que com o tempo o leva a se disfarçar de filho de um poderoso empresário e aproveitar um fim de semana de luxo em Recife.
A primeira hora de “Vips” é exemplar. Méritos do diretor Toniko Melo, que sabiamente aposta na cara-de-pau de seu protagonista como grande trunfo para conquistar as pessoas que, posteriormente, passará a perna. Flertando com a comédia, “Vips” ainda se beneficia da ótima atuação de Wagner Moura, numa composição bem diferente do Coronal Nascimento dos dois “Tropa de Elite”: desde a empolgação juvenil até a segurança demonstrada nos golpes mais elaborados, o ator imprime simpatia ao seu anti-herói.
Uma pena que o humor perca força no momento mais importante da história. Até a entrevista dada a Amaury Jr., cena áurea das artimanhas de Marcelo, soa artificial. Mas nada se compara ao clímax, uma tentativa mal sucedida em se criar um momento de tensão. Fora isso há ainda o pavoroso (e irreal) motivo encontrado no filme para que o golpista enverede pelos caminhos do crime, praticamente isentando-o de culpa – além de provocar um sentimentalismo desnecessário.
Faltou, no final das contas, um pouco de polimento à história. Toniko Melo tinha nas mãos uma história fantástica por si só, e não precisava desses exageros para tornar seu filme mais interessante.

Camaleão do velho oeste

Melhor animação de 2011, "Rango" é lançado em DVD para deleite dos fãs do western

Em um ano em que a Pixar decepcionou pela primeira vez com “Carros 2” e “Rio” ficou abaixo das expectativas, sobrou espaço para um camaleão errante e suas desventuras pelo velho oeste. “Rango” desponta com o principal favorito ao Oscar de melhor animação em 2012 – e com méritos. Trata-se de um dos filmes mais divertidos da temporada, um deleite para os fãs do mestre Sergio Leone e outros ícones do western.

Prova do talento do subestimado Gore Verbinski, talvez o mais eclético diretor de Hollywood da atualidade. É dele o comando de produções tão díspares como “O Chamado”, “O Sol de Cada Manhã” e, obviamente, a trilogia “Piratas do Caribe”, seu passaporte definitivo para o primeiro escalão do cinema. Mesmo assim, Verbisnki é desconhecido do grande público.

“Rango” ainda se beneficia da ótima dublagem de Johnny Depp – o astro empresta a voz para o personagem-título, um camaleão acostumado à boa vida que acidentalmente cai numa área cidade no Oeste. Confundido com um herói local, ele é o responsável pela difícil missão de descobrir quem é o responsável pelo sumiço do produto mais valioso da região, a água.

Ao contrário da maioria das animações da atualidade (os últimos “Shrek” servem de exemplo máximo), “Rango” usa com sobriedade as referências aos clássicos do cinema. As cenas em homenagem a “Três Homens em Conflito”, “Apocalipse Now” e “Medo e Delírio” surgem organicamente à narrativa, além de representarem bons momentos de humor. O próprio Rango, aliás, encarna um herói ao estilo Clint Eastwood.

O visual é outro grande atrativo. Através da técnica de emotion capture, os personagens animados foram criados a partir das expressões de seus dubladores durante o processo de gravação da voz. Essa dose de realismo, mesmo tratando-se de dar personalidade a anfíbios e répteis, compõe-se perfeitamente com o arrebatador cenário da cidade desértica, que nada deve às grandes composições da Pixar, referência obrigatória nesse quesito.

Com um ritmo mais lento, o que talvez possa desagradar o público infantil, “Rango” se estabelece com uma grande homenagem ao clássico gênero – que, curiosamente, teve ainda na refilmagem de “Bravura Indômita” outro exemplar de sucesso este ano.

"As Relíquias da Morte" e o fim de uma era

De certa forma, as adaptações cinematográficas ajudaram a manter vivo todo o fanatismo sobre a saga de Harry Potter mesmo depois de 2007, quando “As Relíquias da Morte” chegou às livrarias. Hoje, não tem mais jeito: a segunda parte do último episódio coloca de vez um ponto final num dos mais importantes produtos da cultura pop dos últimos 20 anos. E, sem correr o risco de ser exagerado, é também o encerramento da mais bem-sucedida ousadia do cinema hollywoodiano contemporâneo.

Não há aqui qualquer tentativa de se julgar os méritos artísticos das produções – como toda a série dilatada, há filmes bons e filmes ruins de “Harry Potter”. O trunfo da franquia deve ser observado com um olhar de dez anos atrás, quando se discutia a durabilidade de uma história cujo final ainda nem existia e, sabiamente, iria precisar de pelo menos outras seis produções. Há de se lembrar de “Eragon”, “Desventuras em Série” e “A Bússola de Ouro”, universos fantásticos igualmente longos em seu formato literário e que sucumbiram como vasta franquia cinematográfica já no primeiro episódio.

Só por isso, toda a falação e a expectativa em cima do último “Harry Potter” é justificada. A absurda gama de personagens e situações mágicas criadas por J.K. Rowling foi transposta para o cinema com o máximo de fidelidade possível, a ponto de as produções serem aceitas pelos fãs como um complemento visual daquilo já escrito.

Financeiramente, não há dúvidas do sucesso da versão cinema de “Harry Potter”. Os sete filmes anteriores arrecadaram desde 2001 mais de US$ 6,3 bilhões mundialmente – todos estão entre as 20 maiores bilheterias da história. Com o 3D, a expectativa é que esse “As Relíquias da Morte – Parte II” ultrapasse os US$ 200 milhões só no primeiro fim de semana de exibição, outro recorde histórico. Fora os lucros com DVDs e produtos licenciados.

Tematicamente, “Harry Potter” também tem seus méritos. A série começou com o tom excessivamente infantil de Chris Columbus em “A Pedra Filosofal” e “A Câmara Secreta”, passou pelo amadurecimento do mexicano Alfonso Cuarón em “O Prisioneiro de Azkaban” e Mike Newell em “O Cálice de Fogo” até o flerte gótico de David Yates, que desde “A Ordem de Fênix” tem imprimido características ainda mais soturnas a cada novo filme. Parece bobagem, mas é um grande feito para um produto altamente comercial. “Harry Potter”, como cinema, cresceu a cada novo episódio, raramente deu sinais de cansaço e chega ao seu derradeiro momento com fôlego. Acredite: “As Relíquias da Morte – Parte II” pode ser o encerramento da saga, mas o início de um legado cinematográfico que ainda será tomado como exemplo por muitos anos.

Desbunde visual

“Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte II” tem como grande vantagem o fato de, enfim, encerrar o tom episódico que marcou todos os filmes anteriores da série. É aqui que as situação são findadas e a trama caminha para o encontro do jovem bruxo com Lord Voldemort, o grande clímax inexistente principalmente nos dois capítulos anteriores, encerrados de forma abrupta. O ritmo lento e excessivamente verborrágico da “Parte I”, essencial para o estabelecimento dessa trama final, aqui dá lugar à correria. Com o 3D, então, o desbunde visual é ainda mais evidente.